художники
  1. Дизайн.Стили в дизайне.
  2. Дизайн и стили.Часть №2.
  3. Некоммерческие проекты и несколько слов о цвете
  4. История дизайна
  5. Освещение
  6. О композиции
  7. Дизайн страницы
  8. Чёрный квадрат Малевича
  9. Леонардо Да Винчи
  10. Дизайн посуды
  11. Стилистика изображений в крито-микенской культуре
  12. Дюрер
  13. Русский театральный портрет
  14. Плакат

ЯПОНСКИЕ ХУДОЖНИКИ

Все художники отмечены печатью своей эпохи, но великими художниками являются те из них, в чьем творчестве эпоха нашла свое наиболее глубокое выражение. В японском искусстве таковыми являются Кано Эйтоку, Таварая Сотацу, Огата Корин, которые подняли декоративную роспись в 16-18 веках на новую ступень развития. Создавая свой стиль, мастера декоративных росписей совершенно иначе, чем художники других жанров, использовали цвет, строили пространство, создавали ритмический рисунок. Следует заметить, что в 7-8 веках, позже в 13- 15 веках лидирующим был международный стиль. И свойственен он был всему дальневосточному региону. Этот стиль зародился в Китае. В 18-19 веках в японской живописи преобладали стилевые качества, сформированные на континенте. Декоративные росписи периода Момояма и живопись школы Римпа является национальным, самобытным творчеством, отражением чисто японского колорита, где отразились сформировавшиеся национальные художественные идеалы. В этом непреходящее значение той росписи, о которой пойдет речь. В декоративной росписи 16-18 веков можно выделить следующее - роспись тяготеет к плоскостному изображению, к сближению предметов с фоном. При этом увеличивается роль золотого фона, объем заменяется передачей силуэта. Организующую роль в композиции играет ритм и на основе его строится взаимоотношение предметных форм, всего пространства, цветовая гармония. Несмотря на индивидуальные особенности мастеров этого времени, главное и определяющее свойство стиля- установка на общие традиции, преемственность. По мотивам все росписи в традиционном японском понимании делятся на две группы. Первая носит название фудзоку-га, что в переводе обозначает "картина нравов и обычаев". Сюда относятся произведения с фигурами людей и бытовыми сценами. Другими словами, жанровая живопись. Вторая группа-декоративные росписи, где сюжеты связаны с природой или классической литературой. Декоративная живопись выражалась в форме настенной росписи, на внутренних раздвижных перегородках-фусума и на ширмах-бебу. Под воздействием многих факторов складывались стилевые особенности декоративных росписей. Так главным событием второй половины 16 века было объединение страны и установление мира после всех феодальных междоусобиц. Начался подъем экономики, активизировалось строительство. Широкий размах возведения домов привел к модульной системе, основы которой были заложены в древности. В основе сооружения лежала каркасная система, изготавливались стандартные элементы на основе единого модуля. Оставалось только собрать. Помимо элементов деревянной конструкции, изготовлялись определенного размера листы бумаги для внутренних перегородок. Дом феодала отличался размерами, качеством материалов, декоративными элементами внутренних помещений. Порой главным и единственным декором в домах правителей страны и феодалов были росписи на внутренних перегородках-фусума. Внешне она представляла собой деревянную раму, с двух сторон затянутую плотной бумагой, напоминающей картон, на поверхности которой располагались росписи. Специальные желобки, закрепленные в полу и балках потолка, позволяли двигаться перегородкам. Наружные стены пропускали мягкий рассеянный свет. На подобное освещение и были рассчитаны росписи. Даже при открытых наружных панелях свет при большом свесе кровли попадал на перегородки, отражаясь от окружающей зелени. Сад был необходимым элементом, особенностью архитектуры. Настенные росписи с изображением деревьев, кустарников, камней, цветов как бы преобразовывались в окружающий сад. Точка зрения на расписные перегородки определялась уровнем глаз сидящего человека, а располагался человек на полу, покрытом циновками-татами из рисовой соломы. Точка обзора всегда учитывалась живописцем. Преобладала горизонтальная роспись, так как высота стены была 1,5-2 метра, а протяженность перегородки могла составить несколько метров в ширину. Элементы архитектурной конструкции из дерева составляли нейтральный цветовой фон для ярких росписей. Во время подъема строительства преобладали росписи на перегородках - фусума, а со второй четверти 17 века, когда строительство было официально ограничено, распространились росписи на ширмах. В период правления Момояма настенные росписи вообще были неотъемлемой частью общественных ритуалов и государственных церемоний. Но с изменением исторических условий декоративная роспись постепенно утратила свои общественные функции и стиль росписи изменился. В период Момояма центральной фигурой в живописи был Кано Эйтоку. японский художник Кано Эйтоку Сведений о жизни художника мало. Родился в 1543 году, отец его являлся третьим представителем поколения потомственных живописцев. Первым наставником был дед Эйтоку, он считал его своим продолжателем художественных традиций. Эйтоку выполнял росписи представителям самых влиятельных самурайских фамилий того времени. Расписывал фусума в приемных залах дворца Коноэ. Все внутренние помещения огромного замка Адзути с семиэтажной башней на берегу озера Бива доверено было расписать молодому художнику. И именно в этом замке сформировался новый стиль декоративной росписи. Этот стиль был связан с традициями живописи тушью предшествующего периода, что-то было отброшено, что-то преобразовано и развито. Он отлично владел разными манерами живописи тушью. В манере этого материала, как и в каллиграфии, различалось три почерка: тщательная прописка всех деталей, полусокращенная и скорописная. Его работа "Четыре благородных развлечения" (музыка, каллиграфия, живопись, игра) выполнена в первой манере, с доскональной пропиской и демонстрирует совершенство владения материалом, но индивидуального подхода здесь мало.Пейзаж с птицами и цветами на сюжет времен года написан полусокращенным почерком и выглядит гораздо свободнее, легче, энергичнее. Он применяет прием деда- через пейзажную среду объединяет все сцены и, таким образом, создает единую композицию. Он, следуя по стопам своего предка, отказывается от пространственной глубины росписи, картина получается плоскостной, при этом выявляются ее декоративные качества. На местах свободного фона размещает пятна, выполненные тушью с примесью золотой пудры, образуя своеобразную дымку. Движение взгляда справа налево, что предусмотрено самим изгибом ствола. Объем моделируется широкими, энергичными ударами кисти. Это придает динамичность форме и одновременно создает впечатление пространства. Волны, скалы, парящая птица подхватывают и усиливают динамизм общей картины. Эйтоку дважды повторил изображение дерева с журавлем, разделив сюжет на самостоятельные эпизоды. В этой работе Эйтоку уже присущи те качества, которые стали определяющими для его творчества. Это композиционное и ритмическое построение росписи, передача крупных форм смелыми энергичными мазками, свежая передача деталей, соединение главной ведущей темы с второстепенными темами, которые решены совсем в ином ритме и иными пластическими средствами. Высокое профессиональное мастерство, динамизм, четкая внутренняя структура композиции отличает его работы. Три года вместе с командой помощников Эйтоку занимался росписями замка в Адзути. Росписи по золотому фону произвели огромное впечатление не только техникой исполнения, но и масштабами, манерой письма. Известно, что ширмы с живописью по золотому фону изготовлялись еще в середине 14 века, но в работах Эйтоку применение этого фона выглядит совсем иначе. Владельцем замка ставилась цель передать новый образ власти - в результате зародилась новая художественная концепция настенной росписи. Появилось заметное укрупнение форм, отказ от мелких деталей. Для передачи больших форм Эйтоку использовал толстую кисть из рисовой соломы. Он набрасывал общую схему, а помощники уже дописывали отдельные сюжеты-цветы, птиц, животных. Большую роль стали играть локальные цвета, более насыщенной стала цветовая гамма. Дальше последовал целый цикл росписей основной стилевой модели, разработанной Эйтоку. Обобщение и укрупнение форм, сопоставление крупных цветовых пятен, создание единой декоративной композиции можно увидеть в двух ширмах "Орел на сосне", где на каждой изображен орел на могучем дереве. Основной цветовой акцент - зеленые пятна на золотом фоне облаков. Это создает главный ритмический узор, с движением к центру. Хищная птица на сосне олицетворяет военную мощь, является доминантой над всем. Для такого сюжета не нужна тщательная проработка формы, наличия мелких деталей. Но самая характерная его работа, отразившая его монументальный подход - "Китайские львы". Ее высота 2м25см, ширина 4м 59см. Ничего подобного в японском искусстве не было. Эйтоку использовал похожие приемы передачи буддийских животных, весь вид которых должен был воздействовать устрашающе, но в его трактовке львы становятся образами-символами. Ширмы часто использовались во время торжественных приемов и, в зависимости от пожеланий заказчика, определялся сюжет росписи.

Известные японские художники

Все работы Кано Эйтоку отличались чувством динамического ритма, на основе которого и создавалась композиция. Создавалось движение единого целого, где отдельные детали подчинялись всеобщему круговороту. Впервые Эйтоку и его помощники стали покрывать росписью такие огромные поверхности стен. С ростом строительства росли масштабы работ и их темпы. И это потребовало преобразования самого организационного метода, выработки новых приемов письма и композиции. В связи с этим Эйтоку и разработал принцип единой композиции, основанной на укрупнении форм, их обобщении, использовании сильной энергичной линии, что придает динамику всем формам. Хочется несколько слов сказать о Хасэгава Тохаку. японский художник Хасэгава Тохаку Он шел от приемов Эйтоку, развивая их в соответствии со своим темпераментом и художественными задачами. Виртуозно работал как мастер росписи на золотом фоне и в живописи тушью. Высочайшего мастерства и внутренней зрелости он достиг, когда ему было уже за шестьдесят. Одна из лучших его работ - ширмы с изображением сосен в тумане, классический монохромный пейзаж. В этой работе он добился необычайно тонкой гармонии. За счет тональности туши, тончайших ее размывов и оттенков проступают сквозь туман стволы сосен, легкие очертания ветвей. Следующий этап развития японской декоративной живописи связан с такими именами как Хонами Коэцу и Таварая Сотацу. Хонами Коэцу оказал большое воздействие на формирование стилевых особенностей живописи Сотацу, образное мышление. Он прожил долгую жизнь. Достаточно поздно начал заниматься каллиграфией, живописью, керамикой. В 1615году на подаренный благодарным заказчиком участок земли организовал артель художников, где они жили и творили. Его работы отличает высокий артистизм и, прежде всего это отразилось в каллиграфии. Хотя прошел он специальное обучение только в изготовлении мечей и оценки их боевых качеств, что являлось наследственной профессией его рода. И в своем дилетантстве Коэцу достиг небывалой свободы творческой фантазии, раскованности в отношении художественной формы. Он создал произведение "картина-стихи", где графика иероглифов отлично вписывается в общую картину. Если мастер-ремесленник ориентировался, прежде всего, на образец не только в силу традиций, но и особенностей цехового мышления, то Коэцу черпал из всех источников, умел брать что-то, перерабатывать и превращать в свое, неповторимое. Его способность синтеза разных явлений, свобода от догматов подвели к образованию нового стиля. Этот стиль наиболее полно отразился в творчестве Сотацу и был назван школой Римпа. От графического письма, каллиграфии он перенял и темповую характеристику письма кистью, когда для общего впечатления имеет значение с какой скоростью была проведена линия, положено пятно туши, с каким нажимом прикасалась кисть к бумаге. О его жизни известно немного. Он имел магазин живописи, под его началом работало немало художников. Но по картинам можно судить о его художественных открытиях, о преобразовании культуры всего Дальнего Востока, о выработке высочайших критериев в общей эстетической культуре. Сотацу поднялся от уровня городского ремесленника до знаменитого художника, чьи работы высоко ценятся и сейчас. В своих работах он применил бескостный метод живописи. То есть многие изображения не имели линейного контурного обрамления. Это стало важной особенностью почерка Сотацу. Он создавал форму только пятном, тушью или размывая цвета, добавляя иногда золотую или серебряную пудру. От этого метода он органично переходил к следующему, где на влажную, покрытую тушью или красителем поверхность накладывался другой слой, другого цвета, который соединялся с первым. Он по-новому использовал эти старые методы, при этом проявлялись новые интересные художественные эффекты. В своей работе "Лотосовый пруд и водяные птицы" Сотацу применяет все известные приемы монохромной живописи, контраст изображения и затемненного фона вместе с обратным приемом использования свободного фона как пространственной среды. Детально прописанное оперение птиц соседствует с размытыми пятнами туши. Цветовые градации передают не только фактуру лотосового листа с двух сторон, но буквально прожилки на листе. Хотя все исполнено только черной тушью. Изображая животных, в частности слонов и львов, средством выразительности была линия, а локальный цвет имел подчиненное значение. японский художник Таварая Сотацу В композиции с соснами и скалами важнейшим средством характеристики предметов становится цвет, причем контраст зеленого и синего. Часто используется золотой фон, преобразовывая пространственную среду. Виртуозно владея монохромной живописью, мог легко перейти к многоцветной росписи. Он пишет цветы маков пятном, моделируя форму изменениями тональности цвета. Прекрасно передавая цветы, бутоны, фактуру листьев и стеблей, они сохраняют декоративность общего впечатления. Сотацу и в живописи создает образы - ассоциации, которые лишены конкретности и четкой определенности. Его мастерская занимается популярной в те времена росписью вееров. И при огромном числе росписей он выработал свою технику, ту композиционную формулу, которая ускоряла процесс работы. Принцип отражался во многих других его произведениях. Знаменитая его работа "Бугаку", где большую роль играет пространство, в правом нижнем углу ширмы расположены участники танцев, а в верхнем левом сосны и цветущее дерево слива. Так композиционно объединяются обе ширмы. С помощью цветовой и ритмической организации он добился пластической связи фигур, их взаимозависимости. Также схематично решены портреты участников, но характерно и с долей эмоций. Мощное диагональное движение из нижнего угла правой ширмы в верхний угол левой пересекается спиралевидным кручением четырех центральных фигур, оставляя за пределами две статичные группы. В зрелом возрасте Сотацу отказывается от мелких деталей, увеличивает формы, еще большую роль приобретает золотой фон. В его работе "Боги ветра и грома" он использует серебряные облака на золотом фоне, а по небу в неистовом движении несутся фигуры божеств. Золотой фон между фигурами становится звучным, оптически напряженным, заряженным энергией, будто молния должна вылететь из-за мощного движения встречных фигур. Приемы наложения пигментов становятся важным средством характеристики персонажей. Сотацу применяет двойную технику в наложении основных пигментов. Портреты главных персонажей переданы сильными, уверенными линиями. Цвета подобраны с учетом большей характеристики образов, их внутреннего содержания. Так появился коричневый, который наиболее точно передает контуры фигуры и мускулатуры. Он отказывается от второстепенных деталей. Линия и цвет у Сотацу-элемент фантазии художника, а не реального прообраза изображения. Цвет в первую очередь подчинен ритмической организации, внутренней динамике и гармонии и служит выразительности всего образа. Поэтому и золотой фон носит иной характер - это уже элемент среды, который несет свою эмоциональную и смысловую нагрузку. Если у Кано Эйтоку он больше тяготел к плоскостному изображению, то у Сотацу он кажется трехмерным. Никто из последователей и учеников не мог превзойти его художественный уровень. И только двумя поколениями позже появился яркий, индивидуальный художник Огата Корин. Это Сотацу вдохновение черпал из поэзии, из обращения к классическому искусству. У Корина же большая часть жизни прошла вне творчества и лишь последние два десятилетия были наполнены трудом художника. Он жил как богатый молодой повеса, в удовольствиях и развлечениях, пока окончательно не разорился. Столкнувшись с необходимостью зарабатывать себе на пропитание, он стал заниматься живописью. Но нужно учесть, что в роду было немало художников и каллиграфистов, жил в артистической среде и с детства обучался всем традиционным искусствам. В своем стилевом развитии он оттолкнулся от росписи вееров, изготовления декорированной бумаги. Характерная особенность его творчества - это разработка нескольких мотивов, их повторение и варьирование, его явное тяготение к особой ритмической организации мотива, изображение орнаментальных его черт. Корин всю жизнь стремился объединить объем и пространство с плоскостью. Одна из первых работ "Бамбук и слива", где видна ритмическая упорядоченность мотива, чередование стволов различной толщины, соотношение свободного поля и изображения побегов бамбука и сливы. Эта ширма является первым шагом к созданию монументальных росписей, которые требуют иных средств выразительности. Он делает наброски с натуры, а затем переносит на золотой фон ширмы. Но создание собственной концепции декоративной росписи проявилось в парной ширме "Ирисы". японский художник Огата Корин Изображение этих цветов являлось частым сюжетом в его росписях. В одной из лучших работ "Исэ моногатари" ирисы перефразировались в монументальную роспись на двух шестистворчатых ширмах. Общая ширина работы семь метров на полтора, ирисы при таких масштабах выглядят специфическими пространственными знаками, при этом сохраняя большую степень своей натурности. Огата Корин создал из них узлы ритма, которые лишены симметрии и от этого композиция становится более динамичной. Постепенное приближение цветов к переднему плану создает ощущение потока, воды. Художник выбрал два оттенка зеленого для изображения листьев, два оттенка синего для цветов и золотой фон. Главным средством становится тонкая ритмическая организация композиции, волнообразное движение, более интенсивное на правой ширме и затухающее в левой части. Ритмический рисунок определяет сам темп восприятия, его ускорения и замедления, чередование спокойствия и напряженности. Но монументальная живопись в тот период была не актуальна. Он занимается копированием, что было традиционно для художников Дальнего Востока. И все же в его работах копии выглядят интерпретацией, а не повтором. Он использует более яркие и густые пигменты, меняет расположение фигур, отчего вся композиция становится более выразительной. В своих работах он ставил сложную задачу - соединить живые природные формы и орнаментально организовать поверхность. Воплощение этой задачи можно увидеть в знаменитой двустворчатой ширме "Красное и белое дерево сливы". Два дерева, а между ними волны. Бурный поток, изображенный в центре композиции ассоциируется с горным весенним ручьем. Очерчивающие его линии создают ощущение направленного динамичного движения сверху вниз и справа налево. Контраст усиливается использованием серебряной фольги в качестве волн. По обе стороны от потока написаны цветущие деревья - коренастое, почти полностью изображенное, увенчанное красными цветами, а в противоположной стороне большая изогнутая ветка, усыпанная белыми цветами. Деревья показаны фрагментарно, часть их уходит за пределы картины. Если поток кажется плоскостным, то деревья решены объемно и, находясь на золотом фоне рядом с серебристым потоком, вся картина создает впечатление ирреальности. Волнообразное движение имеет основу ритмического движения сверху вниз, а деревья дополнительного движения снизу вверх. Корин применяет здесь технику "влажные капли", когда поверх одного непросохшего слоя накладывается следующий, они смешиваются и образуют особое сплавление цвета. Он также применяет бесконтурный метод моделировки формы. Как бы случайно разброшены капли бирюзово-зеленой краски, слегка вобравшей в себя тушь. Местами сквозь пигмент просвечивает золотой фон и этим создается ощущение легкости всей картины. Декоративный подход к живописи в еще большей мере отразился в керамике, изделий из лака, в росписи кимоно и вееров, которыми он занимался параллельно.
Три художника Кано Эйтоку, Таварая Сотацу, Огата Корин отличаются яркостью своего таланта, но при этом связаны нитью стилевой преемственности. Они иначе использовали цвет, строили пространство, создавали ритмический рисунок, который организовывал все изображение. Их работы вдохновляют, завораживают, а копии и сейчас могли бы служить прекрасным декоративным оформлением определенного общественного помещения, ресторана, кафе или банкетного зала.
Художник Светлана Белова
SB почта